Entrevista al fotógrafo Juan Torre

Juan Torre es un fotógrafo nacido en Getxo (Bizkaia) en 1956. A raíz de una enfermedad visual sus obras experimentaron una transformación, no sólo en el modo de realizarlas sino también en el modo de concebir el resultado, buscando que el medio fotográfico fuera más accesible a personas con discapacidad visual. Ha presentado sus fotografías en varias ediciones de la Bienal de Arte Contemporáneo de la ONCE, y recientemente en el Centro Cultura EGIA con su proyecto “Imágenes para tocar”.

1.- El proyecto Didú nació en parte por tus demandas para hacer accesible la fotografía a las personas ciegas. Cuéntanos cómo surgió la idea de “Imágenes para tocar”.

El objetivo consistía en transcender la imagen clásica de la foto en papel a soportes más novedosos, pero en este caso dirigidos a personas que tienen una limitación visual total o parcial. Buscábamos una nueva forma de tocar la fotografía, dando relieve y volúmenes a esas imágenes.

Fue un cúmulo de circunstancias, tuvo que ver el hecho de que esté afiliado a la ONCE y que tenga un resto visual. En aquel momento empiezan a surgir nuevos soportes donde se podía transcender de los soportes tradicionales, como la madera, el aluminio, el metacrilato…me llamaba la atención todo esto. En los Estudios Durero fue donde tomé contacto con esto, allí iba a hacer fotos y a positivar, tenía estos materiales y me pude acercar a ellos casi de una forma casual. Toqué fotografías, las diferentes tintas y esto no era algo habitual. Noté una cierta diferencia entre las tintas y los soportes y pensé que porqué no se podía conseguir algún relieve. En aquel momento era algo impensable, pero insistiendo y con la colaboración fundamental de Durero el proyecto se puso en marcha.

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Una de las fotografías que componen “Imágenes para tocar”. Imagen cedida por el artista.

2.- ¿Qué cambios experimentó tu obra y tu manera de trabajar al perder la visión?

El Síndrome de Behçet me aparece hace muchos años, cuando trabajaba en prensa en Diario 16. Después tuve un periodo de rechazo hacia  la fotografía y finalmente volví otra vez a ella. En fin, el proceso ha sido largo porque me costó mucho aceptar y asimilar todo esto. A nivel fotográfico digamos que yo me siento más relajado, a la hora de hacer fotos de un estilo determinado, no me siento diferente. Pero hay muchas cosas que no puedo hacer que antes sí hacía…En ese sentido una vez que aceptas tu limitación ves las cosas de una manera más natural, yo siempre me he sentido muy perfeccionista en la fotografía y en el trabajo. Pero ahora donde llego y tampoco me vuelvo loco para dar exactamente con lo que quiero hacer. Realmente en mi cabeza creo que veo lo mismo, sigo viendo fotos cuando voy por la calle, y si voy a hacer algún trabajo concreto, pues en casa o donde sea, o en el estudio depende del tipo de trabajo que vaya a hacer. Me refiero a que mi manera de sentir la fotografía es exactamente la misma.

Esta limitación me toca en lo que mas me podía doler, mi vida había sido desde ese momento la imagen, pero ahora lo vivo de una manera más relajada y hay otras cosas a mi alrededor.

3.- Tus fotografías están pensadas para personas con discapacidad visual ¿pero, crees que son una vía de experimentación sensitiva para personas sin problemas visuales? 

Por supuesto, mis fotos son para todo el mundo, aunque en estos años mi trabajo y el proyecto estaba más encaminado a las personas ciegas o con deficiencia visual. La idea era que estas personas pudieran participar y disfrutar en una exposición de fotografía, por otro lado quería que ese relieve fuera fotográfico, es decir que las personas que ven, que vieran la fotografía y el relieve sería un plus. Es decir que tanto para unos como para otros cumple su función. La gente que ve se acerca, toca las fotos, se puede poner un antifaz puede interactuar con ellas como una persona ciega, puede pasar que varias personas con distintas capacidades se encuentren ante la fotografía, una persona ciega y una que ve, así pueden hablar sobre fotografía, normalizando la situación, en definitiva son para todos.

4.- En tu obra suelen confluir distintas disciplinas: la danza, la música, el teatro…¿Hasta qué punto tienen importancia estas vías de creación en tus fotografías?

En concreto la música, hubo un momento cuando tuve que dejar de trabajar de fotógrafo me volqué en la música como forma de expresión. Estudié música y de alguna forma condicionó el que fueran músicos los que aparecieran en mis obras, el que los músicos tocan y las imágenes son para tocar pensé que el motivo me satisfacía doblemente. El poder estar y contactar con personajes que para mí son importantes y que pudieran participar de este proyecto.

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En el proyecto “Imágenes para tocar” la música tiene un peso importante. Imagen cedida por el artista.

5.- En tus fotografías las personas ciegas disfrutan de elementos visuales a través del tacto, pero también pones a su alcance las técnicas fotográficas que utilizas ¿Eres consciente del valor didáctico de tu proyecto?

Sí, precisamente las personas con esta limitación visual o ciegas, han podido incorporar de una forma consciente toda una serie de técnicas y lenguajes fotográficos. Hablar de retratos o de enfoques, el entenderlo y hacer una imagen mental de todos esos conceptos abstractos realmente ha sido satisfactorio. El poder hablar con un ciego de un desenfoque o de un plano americano o de un primer plano de una forma consciente, y luego ya cada uno en su imaginario particular lo encaja como entienda. En general es un proyecto que despierta mucha emoción.

6.-¿En qué estás trabajando actualmente?

Hago otro tipo de fotografías también, pero lo que quiero es seguir con este tipo de trabajos. Estoy empezando una idea sobre deporte, sobre deporte para todos, tengo la idea ya desarrollada.

“Imágenes para tocar” donde aparece es algo realmente novedoso, a pesar de que haya salido hace años, y ha aparecido en los medios. Pueblo o provincia donde va es como si apareciera por primera vez, tienes esa condición de novedad y llamativa, porque no sé si hay mas gente que utiliza esta técnica como proyecto. Pero como trabajo sigue suscitando esa curiosidad.

¡¡Muchas gracias Juan!!

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CINE Y DISCAPACIDAD “El abrazo de los peces”

En el año 2011 vio la luz el documental El abrazo de los peces del director Chema Rodríguez. Un relato íntimo, por momentos doloroso y a la vez esperanzador. Presenta la historia de tres personas con sordoceguera que muestran cómo afecta su enfermedad a sus vidas y los vínculos que establecen con sus familias y con los profesionales que les apoyan en su día a día (educadores, logopedas, intérpretes…). El documental presenta cuáles son las barreras sensoriales y comunicativas con las que se encuentran, y sus luchas por conseguir la inclusión en la sociedad.

Cartel del documental “El abrazo de los peces” de Chema Rodríguez (2011)

Norberto vive en Madrid, tiene 18 años y está terminando sus estudios en el CRE (Centro de Recursos Educativos de la ONCE). Ya se encuentra preparado para comenzar su vida fuera del centro. Es un chico alegre, luchador y divertido, le apasiona la música y el teatro.

Clarita, como la llaman cariñosamente sus padres y su hermano pequeño. También vive en Madrid y sufre un grave síndrome que, además de la sordoceguera, le acarrea una discapacidad física y cognitiva bastante severa. Todo ello sumado a una esperanza de vida muy corta. Se expone un momento clave de su vida, acaba de cumplir 18 años y sus padres deben tomar la decisión de trasladar a Clara a Sevilla, a uno de los pocos centros especializados en sordoceguera de España.

José María, vive en una pequeña población gallega con sus padres y su hermana. Es artista, y desde pequeño se sintió atraído por la creación artística cuando iba a sus clases de carpintería. Tiene 50 años y está a punto de perder el poco resto visual aprovechable que le queda.

El documental se inicia con Clarita nadando en una piscina, en una escena subacuática. Se establece así la conexión que existe entre la incomunicación en la que viven las personas sordociegas con la sensación de estar bajo el agua. El aislamiento, la ausencia de sonidos, la incapacidad para hablar en este medio acuático y la imposibilidad de ver el entorno con nitidez.

ASOCIDE (Asociación de Sordociegos de España) define así esta discapacidad:

“La sordoceguera es una discapacidad que resulta de la combinación de dos deficiencias sensoriales (visual y auditiva), que genera en las personas que la padecen problemas de comunicación únicos y necesidades especiales derivadas de la dificultad para percibir de manera global, conocer, y por tanto interesarse y desenvolverse en su entorno”

En España hay entre 6.000 y 7.000 personas aproximadamente, que sufren esta enfermedad. En el documental se pone en relieve la falta de centros especializados y preparados para afrontar el tipo de necesidades que demandan las personas sordociegas y sus familias.

Las población sordociega se puede dividir en 4 grandes grupos según expone Daniel Álvarez Reyes, el autor del libro “La sordoceguera: una discapacidad singular”.

Grupo I.- Personas con sordoceguera congénita. Nacen con la visión y la audición gravemente afectadas.

Grupo II.- Personas sordociegas con deficiencia auditiva congénita y una pérdida de visión adquirida durante el transcurso de la vida.

Grupo III.- Personas sordociegas con una deficiencia visual congénita y una pérdida de audición adquirida durante el transcurso de la vida.

Grupo IV.- Personas nacidas sin deficiencias visuales ni auditivas y que sufren una pérdida de audición y de visión durante el transcurso de la vida.

Después de ver el El abrazo de los peces queda clara la necesidad de apoyar y favorecer la formación de profesionales especializados y cualificados para atender las demandas de este colectivo. De modo que nuestra sociedad sea cada vez más capaz de conseguir que las personas sordociegas puedan desarrollar sus vidas en un entorno más normalizado, sin obstáculos.

Actualmente es mucha la entrega, el esfuerzo y la dedicación de muchas personas en este campo, pero todavía quedan muchos pasos que caminar para conseguir la total supresión de barreras comunicativas, el acceso pleno a la información, a la educación y a la cultura para las personas con sordoceguera.

Azucena Hernández

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Silvia Sainz nos habla sobre Tate Sensorium

Silvia Sainz (Madrid, 1990), educadora con experiencia en instituciones sociales y culturales en España, Italia y Reino Unido. Licenciada en Historia del Arte por la UAM, con Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía.

Silvia, que pudo visitar la exposición Tate Sensorium, la cual tuvo lugar en la Tate Britain el año pasado, nos cuenta cómo fue y qué le pareció esta iniciativa.

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-¿Cómo era el recorrido de la exposición?

Primero de todo hay que tener en cuenta que no era una exposición al uso, puesto que formaba parte de un experimento de Flying Object, un colectivo que mezcla el arte, lo digital y el entretenimiento. En este caso, partiendo de la pregunta “¿puede el tacto, el gusto o el sonido cambiar el modo en el que vemos el arte?” habían desarrollado “Tate Sensorium”, una exposición donde mezclan el arte y el resto de los sentidos que no solemos utilizar en los museos. Todo ello con la ayuda del premio IK Prize 2015.

La entrada a Tate Sensorium estaba muy restringida y sólo podían visitar la muestra 4 personas cada 20 minutos para favorecer así una experiencia completa. Antes de comenzar se colocaba un dispositivo en la muñeca de cada visitante para medir el ritmo cardíaco y se repartían unos auriculares desde los que se oía una voz que daba instrucciones sobre cómo y cuándo avanzar. La muestra estaba dividida en cuatro partes bien separadas y en cada una de ellas se exhibía un lienzo acompañado de una experiencia sensorial, estas eran “Interior II” (1964) de Richard Hamilton, “Full Stop” (1961) de John Latham, “In the Hold” (1913-14) de David Bomberg y “Figure in Landscape ” (1945) de Francis Bacon.

Cada obra estaba dispuesta para experimentarla en un tiempo concreto que se especificaba a través de los auriculares. La dos primeras obras (Hamilton y Bomberg) además del sonido, incluían la experiencia olfativa con unos botes a los que acercarse a oler. Tanto el sonido como el olor de la obra de Hamilton, recordaban a los objetos y personas que en el lienzo se presentan. Por otro lado, la obra de Latham además de un sonido casi hipnótico, incluía la experimentación con el tacto colocando la mano sobre una red que vibraba al compás de la música. En la obra de Bacon, sin embargo, daban a probar lo que parecía ser un bombón de chocolate en el que se descubría un sabor un tanto amargo, mientras se oía una música un poco desagradable, parecida al golpeo constante de algún tipo de metal.

Al final del recorrido invitaban a participar en una encuesta sobre la experiencia y repartían los resultados del dispositivo que medía las pulsaciones para identificar con qué obras se había tenido una experiencia más intensa y con cuáles menos.

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Resultados del dispositivo que medía las pulsaciones en “Tate Sensoruim”

-¿Qué fue lo que más te llamó la atención y porqué?

Lo que más me llamó la atención es el hecho de que se hiciera este tipo de exposición, puesto que normalmente los museos son espacios dedicados a la contemplación y por tanto uso de sentido de la vista, únicamente. En realidad, esta es la cuestión que reivindican el colectivo Flying Object con la exposición, percibir las piezas de los museos por el resto de los sentidos, trasformando así el modo en que las apreciamos.

Una vez dentro, la experiencia sensorial más interesante bajo mi punto de vista fue la de “Full Stop” de Latham, puesto que incluía el tacto. El tacto por lo general es uno de los sentidos más vetados dentro de los museos y creo que al incluirlo transformaba mucho la percepción de la obra que si solo la hubiese visto.

La experiencia de toda la exposición, en términos generales, fue muy interesante y curiosa, te hacía sentir que estabas trasgrediendo las normas del propio museo tocando, comiendo… sin embargo, te sorprendías al ver que era el propio museo el que te animaba a tocar, oler y comer. También cabe destacar que al ser una experiencia tan novedosa tuvo muchísimo éxito, había largas colas esperando para entrar y creo que ese éxito nos indica que, tal vez, deberían de existir más exposiciones de este tipo.

-¿Habías visitado o conocías otros proyectos que trataran el tema de la accesibilidad o exposiciones multisensoriales? ¿Cuáles?

Conozco algunos proyectos que aúnan la accesibilidad y el arte, sin embargo, en formato exposición multisensorial pocos. Anteriormente a “Tate Sensorium” había estado en otra exposición, también en Londres, de la National Gallery llamada ‘Soundscapes‘ en la que se invitaron a diferentes artistas a poner sonido a una serie de obras de la colección permanente. Esta experiencia fue muy interesante puesto que, de nuevo, mostraba obras ya conocidas con otros sentidos y con ello cambiaba por completo la idea que se tiene de ellas.

Creo que estamos demasiado acostumbrados al arte que solo entra por los ojos. Es cierto que la Historia del Arte ha establecido durante mucho tiempo la visualidad como el método principal para la apreciación e interactuación con el arte. Sin embargo, creo que esta cuestión está anticuada. En la actualidad las imágenes invaden nuestro día a día, estamos acostumbrados a este tipo de estímulos y por ello pasan desapercibidos. Es por ello que al crear estos nuevos espacios donde interactúan nuevos sentidos es posible un acercamiento diferente y accesible para todo tipo de público.

-¿Cuál crees que es el papel social del arte en la realidad en nuestro país?

Opino que el arte no es una disciplina, sino que sería, más bien, una transdisciplina. Es decir, el arte es una disciplina que toca todas las demás y desde la que mirar y actuar frente a las diferentes cuestiones. Creo que el arte, por ello, tiene un papel social muy fuerte, puesto que puede ejercer sobre otros temas sociales. Sin embargo, el papel social del arte, en España, no está reconocido, por lo que es necesario que todos los agentes (educadores, gestores, comisarios, etc.) del mundo del arte poco a poco cambiemos esa concepción.

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EL ARTE HÁPTICO: La percepción táctil como herramienta de aprendizaje

La percepción háptica es el conjunto de sensaciones, no visuales, que experimenta un individuo para recibir información. Se trata de un sistema de procesamiento de la información por medio de la percepción táctil, es utilizado a menudo por las personas ciegas para relacionarse con el mundo que les rodea, y especialmente necesario para entender el arte. Viene de la raíz griega háptō, relativo al tacto, y se refiere a diferentes sensaciones, captaciones y percepciones que se dan por medio de este sentido.

«Cuando la vista es deficiente, el ciego tiene que recurrir al oído, al tacto y al olfato para informarse. Se les debe ayudar a reunir la información que le den los demás sentidos para llegar a comprender el mundo» Anónimo

Esta habilidad, si se desarrolla desde temprana edad, permite reconocer diferentes objetos y situaciones con enorme rapidez y precisión. La percepción háptica es un sistema muy complejo, a través del cual, el receptor da contenido a la información que llega a su cerebro desde los diferentes sentidos.

Este sistema también es conocido como tacto activo, es el encargado de codificar la estimulación que llega a través de los receptores cutáneos. Estos receptores, proporcionan al individuo información útil sobre los estímulos que le rodean. El tacto activo permite percibir la configuración completa del objeto, pudiendo conformar una imagen mental del objeto explorado y entender su forma, dureza, textura… El movimiento es imprescindible en la percepción háptica, ya que hablamos de un procedimiento plenamente exploratorio. Cuando las personas ciegas desean obtener información a través del sistema háptico, el movimiento de las manos es esencial para poder extraer la información necesaria de los objetos. A través de él, se asimilan una serie de datos y sensaciones que serán la base del aprendizaje y conocimiento de las personas ciegas.

Diferentes estudios han demostrado que el sistema háptico tiene que integrar la información que ha ido adquiriendo de forma escalonada, no de forma automática como trabaja la visión, esto supone una limitación porque para captar la misma cantidad de información se requiere más tiempo y concentración.

“La mayor precisión de los sujetos invidentes, con respecto a las personas con visión normal, parece deberse a que aquellos utilizan mejores estrategias de exploración, debido probablemente a su mayor experiencia con los estímulos hápticos como consecuencia de la pérdida de la visión” Soledad Ballesteros.

El tacto es especialmente importante en el campo del arte, no solamente para que las personas con dificultades visuales puedan acceder a él, sino a la hora de crear, como es el caso del artista César Delgado, ciego total desde temprana edad. Él utiliza la percepción háptica como una herramienta más de trabajo, supliendo así la falta de visión.

 

César Delgado

“Petrus” de César Delgado . Imagen cedida por el artista.

En palabras del propio Delgado, lo háptico es algo fisiológico, podría considerarse como la simbiosis del tacto (con su enorme complejidad y diversidad de percepciones) y la “sensibilidad cinestésica” o “propioceptiva”.

Es el responsable del Centro Háptica de Investigación Propioceptiva, lugar creado para el ensayo de creaciones plásticas a través de la percepción táctil. En este centro ha realizado numerosas creaciones artísticas desde la ceguera. Sus investigaciones en torno a este tema han llevado a Delgado a ser uno de los mayores exponentes del arte háptico. Utiliza el tacto como herramienta para la creación, desplazando la idea de que la pintura o la escultura  pertenecen a las artes visuales, para atribuirles el criterio de arte táctil. Esto lo demuestra con su obra, sumamente sensitiva, cargada de fuerza y dinamismo pero sin perder un ápice de sensibilidad, trabajada desde la visión háptica y no a través de la visión óptica.

"Salomé Mantis" de César Delgado. Imagen cedida por el artista.

“Salomé Mantis” de César Delgado. Imagen cedida por el artista.

Antes de abordar de una manera práctica la accesibilidad en el arte, es necesario conocer las diferentes vías que utilizan las personas con discapacidad visual para acceder a él, si realmente se quiere crear una sensibilidad artística entre las personas con deficiencia visual. Las personas ciegas utilizan diferentes sistemas de percepción, como el háptico, es necesario conocerlos para conseguir la inclusión plena de todas las personas. La discapacidad no debería considerarse una limitación, sino que debe empezar a considerarse como un factor de diversidad y por lo tanto de enriquecimiento social y cultural.

El arte háptico demuestra que hay muchas formas de ver, existen obras que trabajan otros canales, más allá del considerado principal: la vista. Una vez que somos conscientes de percepciones sensitivas que transcienden lo visual, es posible entender la diversidad, y los diferentes modos en los que la información puede ser procesada.

Azucena Hernández

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Impresiones sobre la visita táctil “Descubrir a Miró con el tacto”

La experiencia táctil “Descubrir a Miró con el tacto” que realizamos en la última edición de la feria Art Madrid, hizo posible que personas con discapacidad visual pudieran acceder de manera normalizada, sin impedimentos ni limitaciones al arte. En este post hemos reunido las impresiones, sensaciones y comentarios de los participantes.

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Uno de los participantes tocando “Souvenir de la Tour Eiffel”

El poema “La creación” de Asier Vázquez inicia este artículo, al igual que iniciamos la visita accesible que dio acceso táctil a algunos bronces de Miró. Desde aquí queremos dar las gracias a todas las personas que hicieron posible esta experiencia.

LA CREACIÓN

La creación es sin duda bella.

Lo supe por el canto rojo

de un pájaro azul

en una mañana blanca de primavera

en la que me habló tu voz,

que es como la creación,

o sencillamente,

que es la creación.

ASIER VÁZQUEZ 

Como aficionado al arte, haber podido tocar todas esas esculturas de Miró en el marco de Art Madrid ha sido todo un privilegio y una experiencia maravillosa. En este sentido, haber podido cumplir el deseo explícito de su autor de hacer accesible a todo el público su obra a través del permiso de su familia, engrandece al propio Miró y nos convierte en protagonistas de un hecho singular que resulta emocionante y muy hermoso.

Además, haber podido ser a la vez guía de otras personas ciegas, como yo, que se han conmovido y han disfrutado del momento, ha completado el círculo.

MARIANO FRESNILLO

Enfrentarme de nuevo al arte contemporáneo a través de las obras de Miró me seducía mucho. Por un lado, al ser un tipo de arte tan subjetivo que creo da igual lo veas o lo toques, pues la percepción consiste más en el concepto global de la obra que percibes. Por otro lado, tener la oportunidad de, como a él le gustaba, apreciar sus obras de arte con las manos.

El primer contacto me sorprendió con una obra que aglutinaba aspectos muy chocantes y difíciles de interpretar  (Souvenir de la Tour Eiffel, 1977). Me gustaba la sensibilidad del bronce y como simulaba el mimbre. Otros aspectos que luego fueron comunes y recurrentes en otras obras, como es la naturaleza.

Cuando concluía el recorrido táctil de cada obra, me preguntaba qué había querido transmitir con esa pieza y en muchas era difícil saberlo. Luego te das cuenta que eso es lo de menos y me recreé más en los tipos de textura y qué me decía cada obra.

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Una de las participantes tocando la firma de Miró

En algunas encontré silencio, pues no me transmitieron nada, pero sí hubo otras que me resultaron chocantes o me provocaron alguna reacción de sorpresa. Entre ellas por ejemplo la que compuso con un trozo de leño encontrado en el campo que además me dio la oportunidad de conocer la técnica de la cera perdida. También me gustó la del perrito (Chien) por original.

Creo que hay que acercarse a miró y más con  el tacto y eso sí, cuando lo hagáis, llevar a alguien que os guíe en el tocamiento de la obra pues como me pasó  a mí, confundí unos brazos abiertos, muy largos de una mujer, con sus piernas y claro que si no me corrigen, el significado de esa u otra obra puede cambiar radicalmente. (Gymnaste, 1977)

Gracias a todos los que hicieron posible que viviera esta experiencia táctil una vez más.

FRANCISCA RIGO

La verdad es que lo primero que me sorprendió fue el hecho de tener la posibilidad de poder acceder a conocer de primera mano las esculturas de Miró; para mi fue todo un privilegio.

Hay varias cosas que me resultaron muy curiosas:

– El hecho de que se pueda conseguir reproducir, tan fielmente, diferentes tipos de texturas (madera, mimbre, etc) con el bronce.

– Cómo Miró aprendió a trabajar la escultura través de la exploración táctil.

– El laborioso proceso de creación de las obras a través de la técnica de la cera perdida.

Disfruté muchísimo, ya que me encantó la sensación de explorar con el tacto e ir construyendo mi propia imagen mental de la obra, conectando con mis experiencias  de objetos cotidianos, que fui capaz de percibir a través de la propia escultura.

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Asier y Miguel exploran táctilmente “Pájaro sobre una rama” de 1981

MIGUEL MORENO

Me gustó bastante la buena explicación que disteis de las esculturas, sabiendo que no es fácil explicar a Miró, y lo hicisteis bastante acertadamente según mi punto de vista. Me gustó diferenciar las texturas de las diferentes esculturas del recorrido. Me gustó mucho volver a tocar “Souvenir de la Tour Eiffel”, obra que toqué hace bastantes años, pero para mí fue una emoción importante volver a descubrirla.

Se me hizo corta la visita y por eso fui a seguir tocando piezas en todas las galerías de la feria. Para futuros recorridos estaría bien aumentar el número de esculturas que se pueden tocar. También propondría hacer grupos diferenciados entre los que tocan más despacio, y los que ya tenemos cierta experiencia, por lo tanto la exploración táctil es más rápida.

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Asier guiando a Carmen en la exploración de “Gymnaste”

CARMEN MASSANET

Ha sido mi primera experiencia en este tipo de visitas. Nunca había disfrutado del arte de la forma en la que lo hice el pasado sábado, ni había conocido a alguien que sea capaz de transmitir así de bien el arte a personas ciegas. Siempre que pueda, estaré presente en las
iniciativas que desde Un Ojo Para el Arte se vengan realizando.

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DESCUBRIR A MIRÓ CON EL TACTO: Visita accesible en ArtMadrid’16

El próximo sábado 27 de febrero volvemos a colaborar en una nueva edición de la feria de Arte Contemporáneo ArtMadrid, para ofrecer una visita accesible a personas con
discapacidad visual.

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Jeune fille au soleil, Joan Miró, 1981. Imagen perteneciente a la Galería Marc Calzada

El recorrido estará dirigido por Un Ojo Para el Arte junto con el periodista y poeta Asier Vázquez.

La visita se dividirá en dos partes:

Comenzaremos con una aproximación a la figura de Joan Miró y su relevante papel en la historia del arte del siglo XX. La biografía del artista y la información contextual completarán esta primera parte del recorrido.

Seguiremos con la descripción minuciosa y detallada de las obras, junto con las sensaciones, matices y percepciones que los asistentes con discapacidad visual vayan obteniendo a través del tacto.

Queremos ofrecer una experiencia inclusiva, abierta a todos, donde gracias a las impresiones visuales y táctiles, se podrá hacer un acercamiento más profundo y completo a la obra de Joan Miró.

La Galería Marc Calzada de Barcelona ha permitido el acceso táctil a algunas de las obras de este artista. Parte de la muestra “Joan Miró: Bronce y papel” que presentan en ArtMadrid, aborda la relevancia del objeto en su obra.

En 1927 el artista catalán se propuso asesinar la pintura, marcando así un punto de inflexión en su obra. A partir de ese momento, dará una preeminencia absoluta al objeto y a la escultura por encima de la pintura.

La obra de Joan Miró pasa por diversas etapas, siendo el objeto y su representación fundamentales en su proceso creativo. Desde la concepción de sus obras como pinturas-objeto a sus famosos assemblages de los años 30, pasando por la etapa ceramista de los años 40 y 50, terminando en los bronces de los años 60 y 70.

Las obras que forman parte del recorrido son en su mayoría bronces. Miró partía de objetos cotidianos que unía de diversas formas para conformar una nueva obra, y finalmente los llevaba a las fundiciones. Con la técnica de la cera perdida, estos objetos se transformaban en esculturas de bronce. Siempre se sintió atraído por la poesía que anidaba en las cosas más sencillas y cotidianas: una piedra, un hueso, raíces, juguetes, recipientes, figuritas de pesebre, utensilios de cocina…

Los participantes tendrán acceso a los bronces, material principal en la concepción escultórica de sus últimas décadas. Las percepciones táctiles y los matices de este material  siempre fascinaron a Miró.

“Bronce bruto, que se vean todos los pequeños accidentes del yeso y las herramientas. Fundido muy bárbaramente, sacando partido de los accidentes de la fundición y del azar, yuxtaponiendo planchas, dejándolo a pleno aire” (Anotación de Joan Miró en un cuaderno personal, c. 1964, Fundació Joan Miró, Barcelona)

Gracias al encuentro con el objeto de Miró a través del recorrido táctil, intentaremos encontrar en su obra la magia, la poesía y la belleza, que es en definitiva, lo que cuenta en el arte.

Información práctica    

Dirección: Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles. C/ Montalbán 1.                         Metro: Banco de España. Cercanías: Recoletos                                                                       Fecha y hora: Sábado 27 de febrero a las 11 horas                                                            Actividad gratuita                                                                                                                          Previa inscripción: unojoparaelarte@gmail.com

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KUPATIKANA. No entender nada y entenderlo todo…

Hace un par de semanas fuimos seleccionadas para presentar nuestro proyecto KUPATIKANA en el evento anual Se Alquila Proyecto. En esta quinta edición los participantes debíamos reflexionar en torno al concepto de PÚBLICO.

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KUPATIKANA. No entender nada y entenderlo todo…

Queremos contaros nuestras experiencias durante los cuatro días que estuvimos allí, precisamente en contacto con el público. Intentando cambiar las percepciones, la mirada y la forma de acercarse al arte y de entender los espacios culturales.

Buscamos subvertir y hacer reflexionar sobre el término #accesible, que es la base del trabajo que desarrollamos desde Un Ojo Para el Arte. Creemos en la necesidad de empatizar con los públicos con diversidad funcional. Invitamos a todos los que se acercaron a KUPATIKANA a vivir una experiencia nueva, desconocida para ellos, pero no para las casi 2 millones y medio de personas que en España tienen alguna discapacidad.

La propuesta era sencilla, únicamente contábamos con unas pocas fotografías realizadas por nosotras mismas con un dispositivo móvil. En ellas podían encontrarse lugares relacionados con los espacios culturales, pero todos ellos vistos desde el punto de vista de la accesibilidad.

Las fotografías mostraban lugares y herramientas que cumplían los requisitos de la accesibilidad y otras que no los cumplían.

Es habitual ver en las salas de algunos museos zonas elevadas por grandes tarimas o escalones. No somos conscientes de lo inaccesible que puede llegar a ser, no solo para personas con problemas motores, sino también para personas que tienen alguna lesión temporal, o simplemente un niño pequeño.

Todas las fotografías estaban intervenidas para mostrar algunas de las enfermedades visuales más comunes en nuestra sociedad (cataratas, retinosis pigmentaria, desprendimiento de retina…)

Enfermedad visual: cataratas

Enfermedad visual: cataratas

Esto nos servía para mostrar que hay un gran número de niveles entre las personas con discapacidad visual, y debemos reflexionar en que no todo ha de adaptarse de la misma manera. Existen enfermedades visuales que pierden la visión en la parte periférica del ojo, y otras en el centro del campo visual. Una enorme variedad de niveles de deficiencia visual hasta llegar a la ceguera total.

Todas las fotografías estaban colocadas fuera del nivel estipulado por la ley de accesibilidad universal, que marca los parámetros entre 0,40 cm y 1,35 cm.

Con las dinámicas que utilizamos en la performance, se bloqueaban ciertos sentidos. Los participantes debían taparse los ojos y los oídos, escuchando, en parte del recorrido, un idioma inventado que pocos eran capaces de descifrar y entender.

Son muy pocos los museos y centros culturales que se adaptan a un lenguaje fácil y asequible. Los textos de sala suelen ser crípticos y de difícil comprensión. Herramientas como la lectura fácil ayudarían a que los contenidos fueran accesibles a todos, sin importar las capacidades intelectuales de cada individuo.

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Grupo de personas con los ojos tapados participando en la performance

El objetivo principal era que fueran capaces de ponerse en la piel de personas con algún tipo de discapacidad: visual, auditiva, intelectual y motora.

Espacio abierto

Espacio abierto

Contábamos también con un espacio abierto, donde iniciábamos el diálogo tras las dinámicas, donde todo el que quisiera podía aportar unas palabras que reflejaran la sensación vivida en esos 15 minutos que duraba la propuesta.  Algunas de las palabras y reflexiones más repetidas: Sorprendente, impotente, expectante, otra forma de sentir el arte, aislada, incomunicado, al margen, no entiendo nada, en shock, no somos conscientes de lo que tenemos… y un largo etcétera de aportaciones.

En KUPATIKANA ofrecimos al público una experiencia sensitiva, utilizamos diferentes dinámicas que dejaran en evidencia que todavía queda mucho por hacer. Necesitamos instituciones y profesionales cada vez más implicados en adaptar y acercar los contenidos a todas las personas, pues la accesibilidad no es solo poner rampas y ascensores, es mucho más, y por ello seguimos trabajando.

Gracias a todos lo que vinisteis y dejasteis que os mostráramos otra forma de ver.

Azucena Hernández

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VISTO Y NO VISTO II

En breve volverá a realizarse un nuevo recorrido de la visita inclusiva “Visto y no visto”  en el Museo Reina Sofía, por lo que seguimos recabando algunas reflexiones de otras dos participantes en la sesión del DIM2015. Las siguientes sesiones están programadas para el 19 de noviembre de 2015 y el 18 de febrero de 2016, ambas a las 18.30 horas. La inscripción es gratuita en: mediacion@museoreinasofia.es

Irene Beltrán, licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Granada. Educadora de museos, actualmente trabaja en Caixa Forum Madrid. Tiene amplia experiencia en museos y centros culturales fuera de nuestras fronteras, como el Museo de Bellas Artes de Brest y el Centre d’art Contemporain Le Quartier, en la localidad de Quimper, ambos en Francia.

¿Alguna vez habías escuchado una audio-descripción de una pintura/escultura?

Alguna vez, sobre todo en la facultad pero no de manera tan detallada.

¿Cómo fue la sensación de construir imágenes mentales frente a una obra de arte? 

Al no tener referente visual alguno tuve la sensación de sentirme desarmada al principio, ya que no sabía al tipo de pieza ni al autor al que me enfrentaba. Pero conforme fue avanzando la descripción de las piezas fui ordenando y dando forma mentalmente a la obra que tenía delante de mí y que todavía no podía ver. Por otro lado, al quitare el antifaz fue muy interesante la comparación que establecí entre lo que yo había imaginado y la obra en sí, ya que ambas se parecían bastante.

¿Cuál de las estrategias de acercamiento al arte, te sorprendió más (audio-descripción o exploración táctil)?

La exploración táctil, puesto que todos queremos siempre tocar las obras pero no podemos. Además, el hecho de que una persona ciega fuera la que hiciera esa exploración táctil dio todavía más sentido a la visita. Lástima que no pudo tocar el cuadro de Millares.

Después de esta experiencia ¿crees que podrías disfrutar del arte siendo ciega?

Si se organizan este tipo de actividades, por supuesto que sí. Lo importante de estas visitas es que los participantes se sienten integrados y se normaliza su presencia en las salas de los museos.

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Asier explica las percepciones que siente por medio del tacto de una escultura de Chillida.

Lucía Solano, licenciada en Historia por la Universidad de Alcalá, ha realizado parte de sus estudios en la Universidad de Roma La Sapienza. Actualmente trabaja como educadora en CaixaForum Madrid, y ha colaborado como educadora en instituciones como el Museo del Prado, Museo Reina Sofía y el Museo de la Biblioteca Nacional.

¿Alguna vez habías escuchado una audio-descripción de una pintura/escultura?

Una verdadera audiodescripción no, nunca. Creo que es importante distinguir entre audioguía y audiodescripciones, ya que a veces se intenta suplir el segundo con el primero.

¿Cómo fue la sensación de construir imágenes mentales frente a una obra de arte?

Realmente interesante. En la oscuridad de la mente, van surgiendo imágenes, texturas, volúmenes, medidas… Es un trabajo cerebral extra que las personas no ciegas no estamos acostumbradas a hacer. Requiere un esfuerzo adicional importante en el que hay que estar muy concentrado y atento a la información que está recibiendo tu mente, ya que cualquier detalle que no hayas captado, hace que la obra cambie por completo.

¿Cuál de las estrategias de acercamiento al arte, te sorprendió más (audio-descripción o exploración táctil)?

La audiodescripción la experimenté en primera persona y fue reveladora. Pero también fue, más interesante si cabe, la exploración táctil por parte de una persona ciega, ya que sus impresiones a través del tacto iban mucho más allá de lo que yo pudiera haber percibido. Es como si tuvieran un canal muy potente a nivel sensorial que hace que sus percepciones sean más analíticas y profundas.

Después de esta experiencia ¿crees que podrías disfrutar del arte siendo ciega?

Por supuesto, son otras vías de acercamiento al arte. Las obras están expuestas para ser vividas y percibidas. Está en nosotros la tarea de aprender a acercarnos a ellas.

¡¡Muchas gracias Irene y Lucía por vuestras aportaciones!!

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Nuevos proyectos

Traemos proyectos recién salidos del horno queridos y queridas.

¡Hemos sido seleccionadas para participar en SeAlquila Público!

Es la edición de SeAlquila/Proyecto de este año, que se llevará a cabo en España y Ecuador (Madrid y Guayaquil respectivamente).  Para quienes no lo conozcáis, es un proyecto independiente que consiste en una muestra de creación contemporánea, que tiene lugar en un espacio en desuso durante cuatro días. Esta vez, se celebrará del 19 al 22 de noviembre en el Teatro Daoíz y Velarde (Metro Pacífico).

Como este año la cosa va de “público”, nosotras hemos querido hablar sobre cómo los públicos con diversidad funcional experimentan una exposición cualquiera, pero dándole la vuelta y entrando en un mundo al revés donde nadie comprenda nada.  A este mundo al revés lo hemos llamado KUPATIKANA. Pero no os asustéis, que terminaréis comprendiendo. No somos artistas, pero quizá sí nos hemos sentido un poquito creadoras imaginando este proyecto desde el principio. Ha sido divertido y emocionante reunirse para hablar y desvariar sobre cómo podíamos haceros reflexionar acerca de nuestra sociedad y ponernos en el lugar del otro.

Avisamos de que KUPATIKANA no puede existir sin el público, porque para que ellos nació. Habrá sorpresas y esperamos que podáis vivirlas y os resulte divertido. Queremos que nos contéis qué os parece, sin pelos en la lengua.

 

Bienvenidos a KUPATIKANA,

es no entender nada y entenderlo todo

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VISTO Y NO VISTO: Reflexiones sobre la visita inclusiva en el Museo Reina Sofía

El pasado 18 de mayo, con motivo del Día Internacional de los Museos #DIM2015, se realizó por primera vez en el Museo Reina Sofía una visita totalmente inclusiva. El recorrido estaba dirigido a personas sin discapacidad, pero fue guiado por una educadora especialista en accesibilidad, Azucena Hernández y una persona ciega interesada en el arte contemporáneo, Asier Vázquez. Juntos proporcionaron estrategias plurisensoriales, que normalmente son empleadas para aproximar el arte a personas ciegas. Se utilizaron principalmente dos herramientas: la audiodescripción verbal y la exploración táctil realizada por parte de Asier, demostrando que existen diversos modos de ver y disfrutar del arte.

Os dejamos unas cuantas reflexiones de algunos de los visitantes que tuvieron la oportunidad de participar en “Visto y no visto”. Además os adelantamos que el próximo mes de noviembre se realizará de nuevo este recorrido, que sin duda, no os dejará indiferentes.

Paco Peña, artista visual nacido en Granada, actualmente desarrolla su actividad artística en Madrid y otras ciudades europeas. Recientemente presentó su último proyecto Über den Regen en el espacio Extensión AVAM, en Matadero Madrid.

¿Alguna vez habías escuchado una audiodescripción de una pintura/escultura?

No lo recuerdo, supongo que descripciones de autores en entrevistas o así donde no llegas a ver la obra y todo queda en la imaginación.

¿Cómo fue la sensación de construir imágenes mentales frente a una obra de arte con los ojos tapados? 

Bastante interesante y curiosa, la manera de construir la imagen mental sobre una realidad física sin verla, hace que surjan imágenes más parecidas a conceptos manchas y cosas difusas que asemejan a sensaciones. Es un modo que no imaginaba pero que en realidad te lleva a un espacio de pensamiento, desde la obra finalizada, que no es habitual. Lleva a otra persona a comprender los principios de creación del artista. Cuando, en el inicio de su proceso creativo, empieza a sumar imágenes, sensaciones e ideas que luego formarán la pintura pero de un modo tan sutil y a la vez ilimitado que hace que las soluciones posibles sobre esa idea sean millones y que al final el resultado es solo una de ellas. Esta experiencia te hace ser la mente del artista antes que la obra. Si yo fuera el autor es El que querría que fuera antes de ser.

¿Cuál de las estrategias de acercamiento al arte te sorprendió más (audiodescripción o exploración táctil)?

Sin duda el hecho de no ver es más fuerte, mientras que la exploración táctil podría ser similar de intensa. Pero ya que vemos la acción de análisis, al ver, cerramos nuestros oídos un poco a sus apreciaciones y nos aleja de otra posible imagen mental del objeto/obra.

Después de esta experiencia ¿crees que podrías disfrutar del arte siendo ciego?

… De otro modo, con la permisividad que pudiese, se descubriría otra representación mental de las cosas al no verlas. Desarrollando la imaginación. Supongo que sí. Hay distinción porque ya conozco el mundo visual.

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Asier explorando táctilmente la obra “Peine del Viento I” de Eduardo Chillida. Imagen cedida por Mercedes Hernández.

Julieta de Haro, comisaria de exposiciones y directora de AVAM (Asociación de Artistas Visuales de Madrid). Ha comisariado diversas exposiciones de artistas de la talla de Daniel Canogar en la Sala de Verónicas en Murcia y el artista Javier de Juan en Tabacalera Promoción del Arte, entre otros.

¿Alguna vez habías escuchado una audiodescripción de una pintura/escultura?

No, nunca.

¿Cómo fue la sensación de construir imágenes mentales frente a una obra de arte con los ojos tapados? 

Muy interesante, emocionante, diría que es un acercamiento a la obra más completo.

¿Cuál de las estrategias de acercamiento al arte te sorprendió más (audiodescripción o exploración táctil)?

No podría elegir, la experiencia táctil fue también muy especial y espacial. Cuando empecé a tocar la arpillera, pude sentir también el espacio que ocupaba la pieza frente a mi propio volumen y también fui consciente del espacio que compartíamos ambos, la obra y yo.

Después de esta experiencia ¿crees que podrías disfrutar del arte siendo ciega?

Sí, efectivamente, eso pensé. Siempre he pensado que te puedes acercar al arte desde cualquier ángulo y siempre te da algo, pero nunca pensé que una persona ciega bien guiada podría sentir y disfrutar tanto.  Fue una experiencia muy enriquecedora.

¡¡Muchas gracias por vuestras aportaciones Julieta y Paco!!

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